Përgatiti Albert Vataj
Andy Warhol ishte një artist, producent dhe regjisor amerikan, i cili mbajti barrën e një ere të re ku ai do ta fuste gati përdhunshëm artin në Shtetet e Bashkuara të Amerikës gjatë shekullit të 20-të. Ndërsa bota ishte tashmë e njohur me format e artit, si piktura, Andy prezantoi një koncept të ri të quajtur “Pop Art”. Ilustrimet e tij u vlerësuan shumë nga publiku. Megjithatë, ai u kritikua gjithashtu nga shumë për komercializimin e artit. Pak nga veprat e tij të famshme janë bërë për marka të famshme, si ‘Coca Cola’ dhe ‘Campbell Soup’. Pa iu përmbajtur thjesht pikturave të tij, Warhol u fut edhe në kinema. Nga 60 filmat që ai drejtoi, shumica prej tyre u konsideruan të çuditshëm dhe jokonvencionalë. Trashëgimia e Warhol vazhdon të jetojë në botën e artit edhe sot si një risi. Gjatë kohës së tij, ai hapi disa institucione për të mbajtur gjallë formën e artit që promovonte dhe pretendonte ai se ishte i duhuri për t’u përqafuar dhe përfshirë. Shumë nga veprat e tij krijuese janë ekspozuar në ekspozita të ndryshme në të gjithë Amerikën, të cilat vazhdojnë të shërbejnë si një burim i madh frymëzimi për shumë të rinj amerikanë dhe të tjerë në mbarë botën. “Muzeu Andy Warhol”, i vendosur në Pittsburgh, flet shumë për dashurinë dhe admirimin e Amerikës për këtë artist të madh.
“Pop Art” të cilit Andy Warhol i përkiste dhe u rrek t’ia diktonte shijeve estetike amerikane, është shkurtesa e “Artit popullor”, ” artit për njerëzit “. Në realitet, emri që i është caktuar kësaj rryme nuk e përcakton qartë përmbajtjen e saj; Lëvizja artistike në fjalë, e cila u ngrit rreth viteve gjashtëdhjetë, e kthen interesin tek objektet, mitet dhe format shprehëse të shoqërisë konsumatore bashkëkohore për të nënvizuar atë homologim, të zbatuar përmes masmedias, simbol i një stili jetese jopersonale që asgjëson veçantinë e çdo njeriu. duke qenë.
Suksesi i kësaj lëvizjeje, e cila zhvendos imazhe banale të marra nga bota e reklamës dhe televizionit në sferën e ngritur të pikturës së kulturuar, lidhet me referencat e saj eksplicite ndaj imagjinatës së masave dhe konsumizmit.
Vepra e artit kthehet në një objekt tregtar, art i prodhuar në masë, art i disponueshëm siç ndodh me shumë sende që përdorim çdo ditë apo me ikonat e shoqërisë sonë. Gazeta bëhet kështu protagoniste e Pop Art-it që riprodhon në seri produkte apo figura të spikatura nga masmedia. Një koncept shumë i hidhur i artit që në mënyrë të pashmangshme i referohet atij konsumizmi që gjendet edhe në vetë marrëdhëniet njerëzore, shpesh pa përfshirje të vërtetë emocionale.
Andy Warhol, protagonisti më i kthjellët i Pop Art-it, propozon një seri imazhesh që përsëriten me obsesion për të treguar përmes artit një botë tashmë të nënshtruar nga konsumizmi. Kështu, fillimisht me pikturimin në vaj dhe më pas me teknikën e mëndafshit të përdorur në reklama, shpërtheu metoda komunikuese e të ashtuquajturës kulturë masive. Dhe nëse disa kritikë pohojnë se krijimet e Warhol-it nuk kanë ndërmend të kritikojnë shoqërinë bashkëkohore, por janë të kufizuara në një komunikim më efektiv dhe më prerës për t’u kuptuar nga të gjithë, ndiej nevojën të mos pajtohem me këtë interpretim.
Efektiviteti vizual i ngjyrave me ndikim të lartë, të vendosura në sfonde të sheshta dhe të montuara përafërsisht, është i padiskutueshëm. Por besoj gjithashtu se perceptimi që ndjejmë ne vëzhguesit kur përballemi me shumë prej veprave të tij na hedh në një gjendje thuajse konfuze dhe ne duket se e shohim botën e sotme, të zhurmshme dhe të përsëritur, e cila tenton t’i bëjë produktet dhe njerëzit të konsumueshëm dhe të manipulueshëm, të mbyllur në ato imazhe nga të gjithë. Arti i tij, në dukje i ftohtë dhe banal, arrin të na bëjë të reflektojmë mbi shoqërinë bashkëkohore.
Nga ajo përsëritje kompulsive e serigrafëve, një nga më të njohurat është ajo që përshkruan Marilyn Monroe, fytyra e së cilës bëhet protagoniste e një përsëritjeje maniake të portreteve në dukje identike, nëse nuk do të ishte modifikimi i vazhdueshëm i ngjyrave, artificiale dhe obsesive, që shfaqen për të denoncuar individualitetin e mohuar ndaj asaj gruaje, duke e çuar vëzhguesin në një perceptim të ndryshëm të një simboli seksual, identiteti i të cilit shkon shumë përtej asaj që ne mund të imagjinojmë.
Marilyn, një grua e shkatërruar ndoshta edhe nga të gjithë ata prozhektorë verbues të fokusuar tek ajo, në jetën e saj private dhe në papërsosmëritë e saj njerëzore, është shndërruar në një maskë, në një film vizatimor, në një objekt mbi të cilin vendosim duart në revistat e ndryshme të disponueshme. Dhe këtu vjen provokimi jo aq i fshehur i Andy Warhol: nëse masmediat përpiqen të personifikojnë produktet, duke u atribuar një identitet të mirëpërcaktuar, në të njëjtën kohë ato i bëjnë qeniet njerëzore objekte të konsumit masiv.
Seria e portreteve të Marilyn-it, por edhe të personazheve të tjerë të famshëm, tregon transformimin e njeriut që, duke u bërë objekt konsumi, humbet identitetin e tij.
Përballë Marilyn-it të Warhol-it ndihemi të humbur; trupi dhe shpirti i gruas zhduken dhe vetë fytyra, pa asnjë formë shpirtërore apo identiteti, shndërrohet në një produkt të konsumit të thjeshtë, ashtu si shishja e coca cola, asgjë më shumë se një projeksion i një stereotipi masiv. Të gjithë mund të shijojnë Marilyn, si dhe Coca Cola. Ashtu si sot të gjithë mund të kenë një moment fame. Dhe jo vetëm përmes televizionit.
Mendimi i tij ishte profetik, duke parashikuar një të ardhme në të cilën “të gjithë do të jenë të famshëm për pesëmbëdhjetë minuta”. Mendoni vetëm për reality show-t ku ka shumë komentues banal e mediokër, përdorimin ndonjëherë narcisist të rrjeteve sociale dhe atë mani të tmerrshme për të qenë dikush, qoftë edhe për një kohë të shkurtër.
Me sa duket një vëzhgues “neutral” i jetës së përditshme, Warhol regjistron aspektet e saj më domethënëse me një gamë të ngushtë, shpesh agresive ngjyrash, izolon një imazh dhe e përsërit atë në seri.
Arti i tij është veçanërisht i guximshëm; ai zgjedh dhe portretizon imazhe që nuk kanë përmbajtje morale dhe as nuk përfaqësojnë ideologji. Ai i zgjedh ato vetëm për të gjetur në një vepër një produkt apo një personazh që paradoksalisht bëhet artistik në banalitetin e tij, sepse është fuqishëm i pranishëm në jetën e përditshme të shoqërisë masive.
Andrew Warhola, me origjinë sllovake, lindi në Pittsburgh, Shtetet e Bashkuara, më 6 gusht 1928. Një datëlindje që është ende e pasigurt sot dhe, sipas disa studiuesve, me burim të dyshimtë. Familja e tij, me origjinë shumë modeste, rrëfen fenë greko-katolike dhe vetë Andi e frekuenton Kishën gjatë gjithë jetës së tij, por, për shkak të karakterit të tij të turpshëm, ai kurrë nuk do të flasë në publik për besimet e tij fetare, të cilat do të shprehen edhe nëpërmjet donacioneve dhe donacioneve dhe gjithashtu vepra që tregojnë një predikim për artin e krishterë lindor.
Që në fëmijëri, ai shfaqi një personalitet të brishtë që i shkaktoi kriza nervore me rikthime të shpeshta, ndoshta edhe për shkak të vdekjes së parakohshme të babait të tij, një minator që ndërroi jetë kur Andi ishte vetëm 14 vjeç, dhe nga problemet ekonomike qe detyruan nëna për të bërë lule letre të mund të mbajë familjen ku përfshihen edhe dy fëmijë të tjerë.
Vokacioni artistik i Andit u shfaq që kur ishte djalë dhe e shtyu atë të studionte vizatim dhe pikturë në Institutin e Teknologjisë Carnegie në Pittsburgh, ku ra në kontakt me personazhe që do të ndikonin në edukimin e tij kulturor. Midis tyre duhet të përmendim Philip Pearlstein, një piktor amerikan i njohur për nudot e tij ekspresive. Pasi mori diplomën e tij, ai u transferua në Nju Jork në vitin 1949, ku vendosi të adoptonte një emër më amerikan, emrin që të gjithë e njohim. Në “Mollën e Madhe” ai filloi një karrierë të suksesshme fillimisht si ilustrator për revista shumë të njohura dhe si dizajner i materialeve reklamuese. Kthesa artistike e Andit ndodhi në vitet gjashtëdhjetë; Në fakt, ai filloi të pikturonte produkte të njohura të konsumit amerikan dhe iu përkushtua portretizimit të njerëzve të famshëm në të gjithë botën.
Ai themeloi studion “Fabrika” e frekuentuar nga intelektualë të nëndheshëm të asaj periudhe dhe e cila në një kohë të shkurtër u bë një qendër e prodhimit artistik me rëndësi të jashtëzakonshme. Në vitin 1962 ai krijoi një prodhim të madh printimesh të mëndafshta të lidhura me kulturën popullore amerikane dhe më gjerë: kartëmonedha dollarësh, personazhe me ndikim të madh në masë, produkte të konsumit dhe imazhe nga copëzat e gazetave. Në pak vite ai u bë një nga artistët më të njohur; Prania e tij në ahengje sociale të Nju Jorkut konsiderohet e domosdoshme, jo për shkak të personalitetit të tij që nuk i përshtatet shumë ngjarjeve dhe është ende i pakapshëm, por sepse ai është kthyer në një simbol, ashtu si ato objekte dhe njerëz që portretizon në veprat e tij.
Në festat në të cilat është i ftuar nuk shqipton asnjë fjalë dhe qëndron i përmbajtur. Dhe, nëse bëhen pyetje, ai preferon të përgjigjet me një tundje të thjeshtë me kokë ose me pohime dhe mohime të thata.
I lidhur ngushtë me grupin amerikan të rrokut “The Velvet”, ai u bë menaxher dhe producent i albumit të tyre të parë, “The Velvet Underground & Nico”, të regjistruar në vitin 1967. Albumi ishte një sukses i madh edhe për kopertinën origjinale të krijuar nga Warhol: Banania e verdhë e famshme me shkrimin “Qërojeni ngadalë dhe do ta shihni”. Me heqjen e këtij imazhi shfaqet një banane rozë e qëruar.
Kishte kopertina të tjera që ai projektoi, duke përfshirë ato të dy albumeve të Rolling Stones dhe dy albumeve të John Cale . Gjatë ekspozitës “Jam OK” kam mundur të admiroj rreth dyzet drafte të kopertinave të LP-së të krijuara nga artisti.
Mik i shumë muzikantëve, duke përfshirë John Lennon dhe Bob Dylan, në vitin 1986 ai krijoi kopertinën e albumit pas vdekjes së Lennon “Menlove Avenue”.
Një artist shumëplanësh, gjatë jetës së tij të shkurtër, ai iu përkushtua jo vetëm pikturës, por edhe skulpturës, regjisë, skenarit, aktrimit dhe produksionit.
Mendoj se vlen të përmendet leximi i një biografie të artistit të shkruar nga sekretarja e tij Pat Hackett, e cila mblidhte telefonatat e Andit në të cilat çdo mëngjes i tregonte asaj gjithçka që kishte bërë një ditë më parë. Libri titullohet “Ditarët e Andy Warhol” dhe u botua në vitin 1989, dy vjet pas vdekjes së artistit më 22 shkurt 1987 për shkak të komplikimeve që lindën pas një operacioni të fshikëzës së tëmthit.
Andi, pothuajse në të gjitha veprat e tij, përdor teknikën e transferimit fotografik, me ngjyra shpesh të ndezura për të çmitizuar konceptin e veçantisë së veprës së artit, e cila, ashtu si masivizimi, përfaqëson asgjësimin e veçantisë së qenieve njerëzore.
Për të kuptuar stilin e artistit, le të shohim një nga veprat e tij më të famshme, “Shijet e gjelbra të Coca-Cola”.
Pune ne dukje monokromatike, përveç shkrimit te kuq të logos. Po ta shikoni me vëmendje do të vini re se disa nga shishet janë të zbehura, sikur myku nuk kishte arritur te mbështeste mirë ngjyrën në telajo. Megjithatë, edhe në veprat e tij të tjera ne vërejmë këtë zbehje kromatike në përsëritjet e të njëjtave imazhe të kudondodhura në jetën tonë të përditshme. Prandaj mund të flasim për një zgjedhje të vetëdijshme të artistit që dobëson ngjyrën për të nxjerrë në pah banalitetin e prodhimit masiv. Nga ana tjetër, revolucioni i madh i zbatuar nga Warhol gjendet në bërjen e protagonistit të veprës së tij, diçka që nuk i referohet asgjëje të bukur, por vetëm një objekti apo një personazhi që ne njohim. Objekti ose personazhi jemi ne vetë, të kuptuar si individë anonimë, me dëshirë ose pa dëshirë, që i përkasim një mase pa origjinalitet dhe vlerë.
Puna e analizuar paraqet imazhe të sheshta dhe konture të forta dhe është një nga simbolet më të njohura në shoqërinë tonë konsumatore. Imazhet që shohim çdo ditë janë të padukshme pikërisht sepse i kemi para syve vazhdimisht. Warhol i nguli ato në pëlhurë pikërisht për të na bërë të vetëdijshëm për shëmtinë e shoqërisë bashkëkohore me të cilën jemi mësuar aq shumë sa nuk jemi më në gjendje ta vërejmë atë.
Është e vështirë të shohësh në veprën e Warhol mundësinë më të vogël që njeriu të çlirohet nga konsumizmi i përgjumur i pasurisë dhe mbiprodhimit.
Dhe nihilizmi është qartësisht i dukshëm në prodhimin e tij ndoshta më pak të njohur, i cili mban titullin “Seriali Vdekje dhe Fatkeqësi”. Është një riprodhim i imazheve jo tamam të këndshme që na shtyjnë të reflektojmë mbi varësinë tonë ndaj ngjarjeve katastrofike dhe tragjike të realitetit të përditshëm.
Episodet e destinuara të rrëshqasin në harresë pas disa çastesh ose thjesht një ditë pasi të shihnin disa imazhe të tyre në televizion ose në gazeta; Të nesërmen, në fakt, do të ketë ngjarje të tjera dramatike që do të na tërheqin vëmendjen. Por kjo do të ndodhë vetëm për disa momente.
Andy tregon se sa kalimtare janë imazhet me të cilat bombardohemi përmes masmedias dhe ndikimi emocional i të cilave shpërbëhet në pak sekonda në një shoqëri ku dominon dhuna dhe nga e cila mbrohemi me indiferencë dhe varësi, sepse, siç nënvizon vetë Warhol, ” Kur shikoni një pamje të tmerrshme për një kohë të gjatë, ajo pushon së ndikuari tek ju .”
Imazhet tronditëse si ajo e ” Përplasjes së makinave portokalli ” mbulohen nga një shtresë e hollë bojë transparente në përpjekje për të mbuluar dramën e ngjarjes së përshkruar.
Një aspekt tjetër pak i njohur i babait të Pop Artit është ai i përzgjedhjes së imazheve nga agjenci të ndryshme fotografike që artisti i zgjedh me kujdes për të përcjellë një perceptim të ndryshëm nga ai i ofruar përgjithësisht nga masmedia. Shembull emblematik është ai i serisë së portreteve fotografike të Jacqueline Kennedy , një ikonë elegance, e së cilës artistja ofron anën njerëzore të brishtë pas humbjes së bashkëshortit. Dhe ftohtësia me të cilën mediat masive e portretizojnë gruan humbet me Andin atë impersonalitet që e bën personazhin të largohet nga njohuritë tona.
Nuk ka asnjë gjysmë mase në lidhje me artin e Andy Warhol: ju ose e doni atë ose e urreni atë.
Por ndoshta ajo ndjenjë refuzimi e ndjerë nga shumë njerëz vjen nga dëshira e pavetëdijshme për të fshehur nga vetja se janë viktima të një shoqërie boshe dhe sipërfaqësore që vazhdimisht krijon ikona për t’i konsumuar dhe hedhur tutje. Dhe në atë riprodhim obsesiv të artistit, del në pah vetëdija e asaj asgjëje shqetësuese që burgos ekzistencën e atyre që as nuk e vënë re shoqërinë përreth tyre. Nga lacapannadelsilenzio
